Agnes Husslein-Arco Pořadí knih (chronologicky)

The wide-ranging world of German and Austrian Expressionism is discovered at the intersection of art and film This catalog offers an expansive, cross-genre view of art and culture in the German-speaking world at the start of the 20th century. Beyond the classical visual arts of painting and sculpture, the book highlights silent film--then the new and arguably leading medium of the era. Through posters, film stills and excerpts from classics such as The Cabinet of Dr. Caligariand Metropolis, as well as paintings from the Heidi Horten Collection, with a particular focus on German and Austrian Expressionism, the contents of this book vividly illustrate the avant-garde and influential spirit of Expressionism across artistic disciplines. Beyond Schiele and Nosferatu, artists featured in the book include Erich Heckel, Ernst Ludwig Kirchner, Emil Nolde, Max Pechstein, Herbert Boeckl, Helene Funke, Oskar Kokoschka, Max Oppenheimer, Egon Schiele, Helene von Taussig and many more.

Im Frühjahr 2022 wird im Herzen der Stadt Wien ein neuer Kunst-Ort eröffnet. Zwischen ALBERTINA und Oper entsteht das Museum für die renommierte Sammlung von Heidi Goëss-Horten. Die erste Museumspublikation widmet sich der Entstehung des Ausstellungshauses, seiner Architektur und Baugeschichte und ordnet es in den Kontext europäischer Museumsneugründungen ein.Die seit den frühen 1990er-Jahren sorgfältig aufgebaute Kunstsammlung Heidi Horten präsentiert als Schwerpunkt Werke der internationalen Moderne, des Neoexpressionismus und der amerikanischen Pop-Art. Der Band fokussiert auf die historischen Vorgängerbauten, ihre fürstlichen Bauherren, die aktuelle Neugestaltung und die Umwidmung eines ehemaligen profanen Residenz-Nebengebäudes in ein zeitgenössisches Kunstmuseum. In einem Interview mit Heidi Goëss-Horten stellt sich die Sammlerin und Mäzenin selbst vor und gibt spannende Einblicke in eine hochkarätige europäische Privatsammlung.00Exhibition: Heidi Horten Collection, Vienna, Austria (Spring 2022)

German artist Franz von Stuck (1863–1928) is best known for his erotic paintings, especially Sin. His paintings drew many of their themes from mythology and were considered extremely provocative for their subject matter and presentation. Von Stuck, who was one year younger than Gustav Klimt, become famous at an early age for works such as Allegories and Emblems and Cards and Vignettes, but, though he received significant critical and public acclaim during this time, Von Stuck’s oeuvre and his influence on Viennese art have not been given serious treatment—until now. Sin and Secession fills this gap. Presenting 350 lush color images, this book offers an opportunity to fully examine Von Stuck’s entire career as an artist, not only his celebrated paintings, but his graphic works, sculpture, and photographs.  A must-have for fans for Von Stuck, Sin and Secession showcases the scope of his work and celebrates his lasting influence on Viennese art.

Johann Georg Pinsel war wohl der genialste und einflussreichste Bildhauer der Gegend um Lemberg im 18. Jahrhundert. Bis heute gibt er der Forschung Rätsel auf, denn über sein Leben ist kaum etwas bekannt: Seine Vornamen konnten erst vor einigen Jahren vollständig eruiert werden, und die genauen Lebensdaten liegen nach wie vor im Dunkeln. Mit seinen zumeist sakralen Bildwerken, deren Entstehung sich im Wesentlichen auf den kurzen Zeitraum von nur gut einem Jahrzehnt konzentriert, sollte Pinsel die bildhauerische Tätigkeit der Region in der zweiten Hälfte des 18. Jahrhunderts entscheidend prägen. Die enorme Expressivität seiner Figuren beruht nicht allein auf deren Mimik und Gestik, sondern vor allem auf der oft ausufernden, ja exaltierten Gestaltung der Gewänder. Mit seiner dramatischen Formensprache wurde Pinsel zur zentralen Figur innerhalb der Lemberger Barockskulptur, die zwischen 1740 und 1790 ein ausgesprochen hohes künstlerisches Niveau erreichte.

Der "Frauenfrage" näherten sich die berühmtesten Maler der Wiener Moderne auf verschiedenen Wegen. Unterschiede und Gemeinsamkeiten sind Thema dieser Publikation.0Im frühen 20. Jahrhundert wurde die traditionelle Beziehung zwischen den Geschlechtern durch eine Reihe von sozialen, ökonomischen und philosophischen Veränderungen herausgefordert. Vor allem die beginnende Entwicklung in Richtung Geschlechtergleichheit provozierte vehemente Gegenargumente. Auf der anderen Seite kann sexuelle Befreiung jedoch als ein gemeinsames Ziel angesehen werden, da sowohl Männer als auch Frauen den moralischen Tabus des 19. Jahrhunderts entkommen wollten. Der damals allgemein als „Frauenfrage“ bezeichneten Thematik näherten sich Gustav Klimt, Egon Schiele und Oskar Kokoschka – die drei bedeutendsten Maler der Wiener Moderne – auf verschiedenen, wenn auch sich überschneidenden Wegen. Unterschiede und Gemeinsamkeiten sind Thema dieser Publikation, und so werden neue Einblicke in die Beziehungen zwischen den Geschlechtern im frühen 20. Jahrhundert sowie die Ursprünge der modernen sexuellen Identität erarbeitet.00Exhibition: Belvedere, Wien, Austria (22.10.2015 - 28.02.2016)

In der Gründerzeit entstand entlang der Wiener Ringstraße eine Fülle an Palais und öffentlichen Prunkbauten. Klimt und die Ringstraße widmet sich jenen Malern, die diese Zeit maßgeblich geprägt haben: vom Künstlerfürsten Hans Makart bis zum jungen Malerkollektiv der Künstler-Compagnie rund um Gustav Klimt. Rekonstruktionen ganzer Dekorationsensembles führen dem Besucher den glanzvollen Lebensstil der Ringstraßenära vor Augen. Der Katalog beinhaltet Texte u. a. von Alexander Klee, Markus Fellinger, Walter Krause und Cornelia Reiter sowie zahlreiche Abbildungen.

Die europäischen Herrscher und ihre Gesandten bestimmten am sogenannten Wiener Kongress die Neuordnung Europas nach den Napoleonischen Kriegen. Der Band gibt mit einer Fülle an eindrucksvollen Kunstwerken einen spannenden Einblick in die Diplomatie und Politik, Kunst und Kultur sowie das gesellschaftliche Leben während des zehnmonatigen Kongresses. Von September 1814 bis Juni 1815 war Wien das Zentrum Europas: Zwei Kaiser, fünf Könige sowie zahlreiche Fürsten und Diplomaten aus beinahe allen Teilen des Kontinents fanden sich in der Metropole zu diplomatischen Verhandlungen ein. Begleitet wurde die gewaltige Neugründung Europas von Bällen, Festen, Schlittenfahrten und Empfängen, ebenso von Theateraufführungen und Musikveranstaltungen. Künstler aus aller Welt kamen in die Kaiserstadt, die Kunstproduktion erlebte eine Blüte. Neueste internationale Forschungsergebnisse beleuchten in dem prachtvoll bebilderten Band die wichtigsten Aspekte dieses Schicksalsmoments in der Geschichte, der ganz Europa in Atem hielt.

Gustav Klimt wurde und wird noch heute mit vielen Titeln bedacht: Revolutiona?r und Wegweiser in die Moderne, zwanghafter Pornograph, Liebling der Frauen, Enfant terrible fu?r das konservative Bildungsbu?rgertum, u?berscha?tzter Goldkitschmaler und seit einigen Jahren auch maßgeblich Mitwirkender im Rennen um die teuersten Gema?lde aller Zeiten.0Heute, fast 200 Jahre nach seinem Tod, fa?llt es schwer, sich fu?r eine dieser Schubladen zu entscheiden. Im Band 1 der neuen Reihe 'Edition Belvedere' zeichnen die Autoren anhand der Werke, der Briefe, der Aussagen der Zeitgenossen und anhand vieler zum Teil noch nie gezeigter Fotos aus dem Klimt-Archiv ein Bild dieses Ausnahmeku?nstlers. Folgen Sie den Autoren auf diesem spannend und lebendig erza?hlten Lebensweg!

Innerhalb der Wiener Kunstszene des ausgehenden 19. und frühen 20. Jahrhunderts wurde Claude Monet neben Édouard Manet als die zentrale Gestalt des französischen Impressionismus betrachtet. Seine Arbeiten waren in Ausstellungen im Künstlerhaus, in der Secession und in der legendären Galerie Miethke zu sehen und seinen Zeit genossen aus Zeitschriften oder Büchern bekannt. Der Einfluss Monets auf österreichische Maler und Fotografen, u. a. Gustav Klimt, Emil Jakob Schindler, Olga Wisinger-Florian, Heinrich Kühn oder Ludwig Heinrich Jungnickel, war unmittelbar und vielfältig, wie der Band anschaulich zeigt.

Der russischen Kunst und den kulturellen Verbindungen zwischen Russland und Österreich zu Beginn des 20. Jahrhunderts widmet sich die Ausstellung „Silver Age“. Das „Silberne Zeitalter“ bezeichnet die kulturelle Blüte in der russischen Literatur und bildenden Kunst nach 1900 und gilt als Äquivalent zum deutschen Wort Jugendstil. Der Katalog beinhaltet Texte von Konstantin Akinsha, Miriam Häßler, Natalia Murray, Alfred Weidinger und Sarah Woodcock, einen Abdruck von Leo Trotzkis „Neujahrsgespräch über die Kunst“ sowie zahlreiche, großformatige Farbabbildungen und historische Aufnahmen der Ausstellungen russischer Kunst in der Wiener Secession 1901 und 1908.

Überblick über die Sammlung des Mittelalters des Belvedere mit zahlreichen Farbabbildungen und einem Text von Arthur Saliger.

Ausgangspunkt der Ausstellung Barock since 1630 sind die zahlreichen Möglichkeiten, sich der Kunst des Barock zu nähern. Der Fokus liegt dabei auf Werken von Künstlern späterer Generationen, die Bandbreite reicht vom Anknüpfen an die Tradition und der Dokumentation über die Imitation bis hin zur Inspiration und Interpretation. Der Katalog beinhaltet wissenschaftliche Beiträge von Georg Lechner, Alexander Klee, Eva Michel, Lorenz Mikoletzky und Birgit Schmidt.

Einst für den Hausherrn als prachtvoll ausgestattetes Wohn- und Repräsentationspalais errichtet, im 18. Jahrhundert von Kaiserin Maria Theresia erworben, bald für die Hofkammer und dann als Finanzministerium genutzt, wird das Barockjuwel in der Wiener Innenstadt wieder zu einem Ort für Kunst und Kultur. Die Publikation zum Winterpalais des Prinzen Eugen stellt historische Stiche und Fotografien der Prunkräume aktuellen Aufnahmen nach der Restaurierung des Palais gegenüber. Der Schlossführer beinhaltet Beiträge zur Architekturgeschichte und Restaurierung von Richard Kurdiovsky und Sylvia Schönolt, einen Text zum malerischen Programm von Andreas Gamerith sowie Beiträge zu Prinz Eugen von Savoyen von Leopold Auer und Georg Lechner

Fotos. Österreichische Fotografie von den 1930ern bis heute Wo steht die österreichische Fotografie, und wohin geht sie? Fragen wie diese versucht die Ausstellung im 21er Haus in Wien zu beantworten. Im Mittelpunkt stehen weniger die Akteure, sondern vielmehr deren Motive, über die unbefangen-assoziativ Zugänge zum gegenwärtigen Kunstdiskurs geschaffen werden. Gezeigt werden historische bis zeitgenössische Stilllebenfotografie, Porträts, Momentaufnahmen kleiner Gesten, die Zwischenmenschliches und Charakteristisches offenbaren, ergänzt mit Bildern, die sich mit der Fotografie an sich beschäftigen. Ausstellung und Katalog vermeiden jede Hierarchisierung oder chronologische Ordnung. Die Bildbögen der Kataloge werden per Zufallsprinzip aufgebunden, wodurch diese einen exklusiven Charakter verliehen bekommen.

Mit dem Katalogbuch widmet sich das Belvedere in der Reihe Meisterwerke im Fokus dem programmatischen Thema Formalisierung der Landschaft, welches sinnbildhaft die Schwelle zu Flächenkunst des Jugendstils markiert. Diese neue Landschaftsauffassung wies um die Jahrhundertwende einen Weg aus dem Impressionismus. Das immer wieder auftretende Motiv des Baumes, bzw. der Baumgruppe, wandelt sich von einer illusionistischen Valeurmalerei zu einer ornamental anmutenden Reduktion der Formen. Diese Bedeutung lässt sich vor allem im Werk von Adolf Hölzel sowie dessen Freunden und Schülern wie Carl Moll, dem Ehepaar Mediz und anderen entdecken. Hölzel fand im Dachauer Moor zu dieser Neuinterpretation des Topos Landschaft, aus der er 1901 die Konsequenz eines gewandelten Kunstverständnisses zieht. Dies legt er in seiner Schrift Über Formen und Massenvertheilung im Bilde 1901 in Ver Sacrum, der Zeitschrift der Wiener Secession, dar, deren breite Rezeption einen ungeheuren Einfluss auf die Avantgarde ausübte.

Emil Jakob Schindler, dessen Geburtstag sich zum 170. Mal und sein Todestag zum 120. Mal jährt, markiert mit seinem Werk den Umbruch der opulenten Kunst der Ringstraßenzeit zu einer neuen Sicht auf die Natur, die verklärend poetisch eine Interpretation der Landschaft entwirft.

Nearly 250 photographs, some never before published, offer an intimate glimpse into one of the art world's most famous love affairs. Emilie Flöge was only a teenager when she met the painter Gustav Klimt, but their friendship soon evolved into a complex and loving relationship that lasted the rest of their lives. Alfred Weidinger, an acclaimed expert on Klimt and his contemporaries, has compiled an exhaustive collection of photographs relating to the artist and his designer muse. While Klimt took many of these shots, other photographers include Carl Schuster, Victor von Spitzer, Hugo Henneberg, Pauline Kruger Hamilton, Anton Josef Trcka (Antios), and unknown individuals who had access to the couple's private lives. Presented chronologically, they offer insight into the creatively charged world that Klimt and Flöge inhabited - a world they influenced with their enormous talent and passions. ILLUSTRATIONS: 190 b/w

Die Definition des Goldgrunds als sakrale Ausdrucksform taucht erstmals zur Zeit des Jugendstils auf. Die Interpretation des künstlerischen Goldeinsatzes wird nun in diesem Zusammenhang einer Revision unterzogen. Den Beginn markiert ein Mumienporträt aus dem 2. Jahrhundert. Bilder von Giandomenico Tiepolo und William Blake dokumentieren die Verwendung von Gold in der neuzeitlichen Malerei. Meisterwerke von Gustav Klimt bis Willi Baumeister, von Richard Hamilton bis Imi Knoebel zeigen die weitere kunsthistorische Entwicklung bis heute exemplarisch auf. Die Schau präsentiert Werke von u. a. Stephan Balkenhol, Georg Baselitz, James Lee Byars, Christian Eckart, Luciano Fabro, Helmut Federle, Sylvie Fleury, Günther Förg, Jakob Gasteiger, General Idea, Hans Haacke, Yves Klein, Milan Kunc, Robert Kushner, Sherrie Levine, Heinz Mack, Hermann Nitsch, Oswald Oberhuber, Marc Quinn, Gerwald Rockenschaub, Lucy Skaer, Nedko Solakov, Victor Vasarely, Andy warhol, Max Weiler, Fred Wessel, Franz West, Erwin Wurm und Toby Ziegler.

Leben, Liebe, Kunst – der Fotoband über ein legendäres Künstlerpaar Die Wiener Modeschöpferin Emilie Flöge war nicht nur Gustav Klimts langjährige Geliebte, sondern auch Muse und Modell für einige seiner schönsten Gemälde. Das Paar stand im Zentrum jenes legendären Künstlerkreises, der um die Jahrhundertwende von Wien aus die Kunst in ganz Europa beeinflusste. Zu diesem Kreis gehörten auch zahlreiche Fotografen, die die rasante Entwicklung der modernen Technik nutzten und das Leben der Künstler und Bohemiens dokumentierten. Der vom Wiener Belvedere herausgegebene Band präsentiert erstmals sämtliche Fotografien von Klimt mit Flöge und zeichnet damit nicht nur ein faszinierendes Bild vom Leben dieses Paares und seiner Zeit, sondern spürt auch dem Einfluss nach, den bildende Kunst und Fotografie wechselseitig aufeinander ausübten.

Die Geschichte der beiden Belvedere-Schlösser ist nicht nur untrennbar mit der Persönlichketi des Erbauers, Prinz Eugen von Savoyen-Carignan-Soissons, des wohl größten Feldherrn der österreichischen Geschichte, verbunden, sondern auch mit der Herrscherdynastie der Habsburger. Denn Maria Theresia, der Gemahlin Kaiser Franz I. Stephans, gelang es 1752 nach jahrelangen Bemühungen, die prächtige Schlossanlage von der Erbin des 1736 kinderlos verstorbenen Prinzen, Victoria von Savoyen, verehelichte Prinzessin von Sachsen-Hildburghausen, zu erwerben. In der Folge wählten sie und ihr Sohn Kaiser Joseph II. das Belvedere als würdigen Rahmen für die Präsentation der kaiserlichen Galerie. Später machte Thronfolger Franz Ferdinand von Österreich-Este das Belvedere zu seiner Residenz. Fortan blieb das barocke Ensemble eng mit der wechselhaften Geschichte Österreichs verbunden und wurde als Ort der Unterzeichnung des Staatsvertrages 1955 zum Schauplatz eines staatspolitischen Ereignisses. ( Katharina Schoeller )

Ansichten und Innensichten Porträts und Selbstporträts nehmen im Werk von Egon Schiele eine zentrale Rolle ein. Nach seinem Durchbruch als Expressionist gelang es ihm, einen Kreis von Mäzenen zu gewinnen, von denen er viele auf der Leinwand verewigte. Seine Porträts sprengten immer wieder traditionelle Grenzen, erregten Widerspruch, waren oft eindeutig erotisch. Intensiv beschäftigte sich der Künstler mit der Umsetzung seelischer Befindlichkeiten in Zeichnungen und Gemälden. Die Erforschung des Ichs begann dabei bei seiner eigenen Person und führte zu vielen Selbstporträts. Neben der ausführlichen Darstellung dieser Bilder geben Essays, u. a. zu Schieles Körpersprache, sowie Auszüge aus seinen Briefen einen umfassenden Einblick in Schieles Porträtkunst.

The Secession exhibition of 1901 was the high point Viennas involvement with the famous French sculptor. The present catalogue looks at the history of the annual Secession shows, Rodins skilful use of the media and the exhibitions, his influence on Austrian art and also the masterpieces that have been in the Belvedere collection since then.

"Schlafende Schönheit" erschliesst eine in Österreich bislang weitgehend unbekannte Bildwelt der beginnenden Moderne und ermöglicht einen visuellen Streifzug durch das Kunstschaffen des Englands in der Mitte des 19. Jahrhunderts. Die 1848 in London gegründete Künstlergemeinschaft der 'Präraffaeliten' verfolgte die Erneuerung der Künste gegenüber der offiziellen viktorianischen Kunst. Die ideologische Ausrichtung basierte auf den Inhalten der englischen Literatur und der Historie des Landes sowie auf religiösen Themen mit einem bisher unbekannten Alltagsbezug. Zu ihren bedeutendsten Arbeiten zählt die zwischen 1857 und 1859 durchgeführte Freskierung der Bibliothek der Oxford Union. Unter der Leitung des jungen Dante Gabriel Rossetti schufen William Morris, Walter Crane und Edward Burne-Jones eine Bilderfolge nach Thomas Malorys Arthur-Legende. Mithilfe von Werkanalysen und Vergleichsbeispielen werden der kunsthistorische Kontext der Bilder und deren Bezug zur österreichischen Kunst der Jahrhundertwende veranschaulicht.

Summary: Höhepunkt der AusƯeinandersetzung der Kunstmetropole Wien mit dem berühmten Bildhauer dar. Das Katalogbuch beleuchtet die Geschichte dieser Präsentationen, Rodins gekonnte Medienarbeit und Ausstellungsstrategien, seine Wirkung auf die österreichische Kunst, aber auch die Meisterwerke, die sich seither in der Sammlung des Belvedere befinden. Kaum ein anderer Künstler hatte so viele einflussreiche Agenten wie Rodin, der auch Fotografen wie Stephen Haweis und Henry Coles, Eugène Druet, Jacques-Ernest Bulloz oder Edward Steichen für seine Zwecke zu engagieren vermochte. Steichens fotografischen, dem Piktoralismus verpflichteten Aufnahmen der Werke Rodins und der Bedeutung der Fotografie für Rodin ist ein weiterer Schwerpunkt gewidmet. Ausstellung: Belvedere, Wien, 1.10.2010-6.2.2011.

Anton Romakos »Tegetthoff in der Seeschlacht bei Lissa« wird als visionäres Werk gefeiert und gehört zum Kanon der europäischen Kunstgeschichte des 19. Jahrhunderts. Das reich bebilderte Buch dokumentiert die Entstehung des Bildes und stellt es in den historischen, militärgeschichtlichen und künstlerischen Kontext der Zeit. Bei seiner ersten Präsentation im Wiener Künstlerhaus 1882 wurde das Werk jedoch fast ausnahmslos abgelehnt und verspottet. Romako brach mit den Konventionen der historischen Schlachtenmalerei und setzte das Wissen des Publikums über den Verlauf des Seegefechts voraus. Er verlegte die dramatische Spannung in die Phantasie des Betrachters, was einen fundamentalen Wandel darstellt: Es wird nicht mehr die historische Tat selbst berichtet, sondern das Fühlen und Erleben der handelnden Personen in einem entscheidenden Moment. Romakos Werk kann somit als Vorläufer heutiger Erzähltechniken von »Suspense« betrachtet werden. Zudem hatte seine Malerei Einfluss auf die österreichischen Expressionisten, wie Oskar Kokoschka. Um die revolutionäre Auffassung des Gemäldes zu verstehen, beleuchtet das Buch den historischen, militärgeschichtlichen und künstlerischen Kontext der Zeit sowie Romakos Œuvre.

Nach Abstammung ein Italiener, nach Geburt ein Franzose, wurde Prinz Eugen Franz von Savoyen-Carignan-Soissons nach seinem kometenhaften Aufstieg und seiner glanzvollen Karriere als Feldherr 'der größte und beste Österreicher, der seinem erhabenen Kaiserhause je gedient hat'. Die Ausstellung zu Person und Vermächtnis des Prinzen begnügt sich nicht mit der Aufführung seiner Heldentaten als Kriegsherr und Diplomat im Europa der fortgesetzten Türkenbelagerungen, der Spanischen und Polnischen Erbfolgekriege. Seine Passion für die Schönen Künste, für Gelehrsamkeit und Wissenschaften ließen ihn selbst inmitten des Schlachtengeschehens nicht ruhen. In fast fünfzig Jahren unentwegten Einsatzes als Feldherr, Staatsmann und Diplomat reist er quer durch Europa und baut dabei eine schon zu Lebzeiten gerühmte Sammlung von Gemälden und Kupferstichen, von Inkunabeln, illuminierten Handschriften und Büchern auf. Vom wechselnden Kriegsschauplatz korrespondiert Eugen mit Künstlern und Kunsthandwerkern, Gartenarchitekten und Baumeistern. Katalogbuch und Ausstellung präsentieren Exponate seiner Kunstsammlungen und Zimelien der Bibliotheca Eugeniana. Sie lassen den Betrachter die komplexe Ausstattung jener repräsentativen Wohngebäude erahnen, in denen der Prinz seit 1703 im Stadtpalais und seit 1731 im Oberen Belvedere allerhöchste Gäste wie die Botschafter des Osmanischen Reiches zur Audienz empfing.

Das Œuvre von Lovis Corinth (1858–1925) ist vielseitig und wegweisend wie kaum ein anderes: Seine Bilder faszinieren durch die expressive Leidenschaftlichkeit seiner Malerei ebenso wie durch die meisterhafte Beherrschung künstlerischer Techniken. Ihm wird diese erste Publikation gewidmet, die zu der neuen Ausstellungsreihe Meisterwerke im Fokus des Belvedere in Wien erscheint. Ein wissenschaftlicher Essay führt den Leser in die künstlerische Entwicklung Corinths ein und verortet sein Œuvre im kunsthistorischen Kontext. Die Gemälde des Belvedere, die aus allen Schaffensphasen Corinths stammen, werden unter dem Aspekt der neuesten wissenschaftlichen Erkenntnisse vorgestellt: Die ausführlichen Bildbeschreibungen lassen Corinths Entwicklung erkennbar nachvollziehen, eine maltechnische Analyse zeigt seine außerordentlichen Fähigkeiten und Kunstgriffe auf. Außerdem wird der Frage nachgegangen, inwieweit sein Schlaganfall, den er 1911 erlitt, Einfluss auf den künstlerischen Ausdruck seiner Arbeit genommen hat. Dieses bibliophil gestaltete Buch mit reichem Bildmaterial ermöglicht durch seine neuen Blickwinkel eine vertiefte Auseinandersetzung mit Corinths Werk.

Alfons Mucha is known largely for having originated Art Nouveau, when his poster of the actress Sarah Bernhardt became a legendary icon of the movement. Mucha went on to design hundreds of pieces in the decorative arts field, but later distanced himself from the style he pioneered, devoting his time and energy to painting. This book presents the full array of Mucha's artistic contributions-not only his posters and jewelry designs but also his design for the pavilion of Bosnia and Herzegovina at the 1900 World's Fair. The book also includes his works on canvas, which include pastels and frescoes, and his magnum opus, The Slavic Epic, a series of 20 paintings depicting the history of his native people. A stunning selection of 700 color illustrations is accompanied with essays that explore Mucha's style and inspirations, his transition away from the decorative arts, and his forays into photography. Fans of Art Nouveau will treasure this dazzling and unique study of the artist and his contributions to design and illustration.

Mit der Ausstellung „Gustav Klimt und die Kunstschau 1908“ lässt das Belvedere in Wien, eines der bedeutendsten Museen Europas, die Kunstschau 1908 anlässlich ihres 100-jährigen Jubiläums wieder aufleben. Damals wie heute bilden Gustav Klimts Werke den Höhepunkt der Ausstellung, darunter sein berühmtestes Gemälde „Der Kuß“, das 1908 noch während der Laufzeit der Schau vom Belvedere angekauft wurde. Die Kunstschau 1908 wurde von zahlreichen Künstlern um Gustav Klimt gemeinsam mit der Wiener Werkstätte und der Wiener Kunstgewerbeschule entwickelt und gilt heute als Quintessenz der frühen Wiener Moderne. Ein Großteil der ursprünglichen Exponate, die damals in 54 Räumen auf dem rund 6500 m2 großen Ausstellungsgelände als Gesamtkunstwerk inszeniert wurden, wird in rekonstruierten Räumen und Nachbauten gezeigt, z. B. der „Plakatraum“, der „Raum 50“ der Wiener Werkstätten und der von Koloman Moser gestaltete Raum für Gustav Klimts Hauptwerke. Mit der ausführlichen Vorstellung der wichtigsten Aspekte und zahlreichen Abbildungen gelingt es dem Katalog, die „Kräfterevue österreichischen Kunststrebens“, wie Gustav Klimt die Kunstschau 1908 in seiner Eröffnungsrede nannte, wieder lebendig werden zu lassen.

Die Ausstellung „SIMULTAN. Zwei Sammlung österreichischer Fotografie“ bietet einen umfassenden Einblick in die Sammlung und thematisiert die Entwicklung der fotografischen Kunst seit dem Ende des Zweiten Weltkriegs. Sie vereint Werke etablierter Fotografen und zeitgenössischer „Newcomer“ und beleuchtet zentrale Themen der Fotografie. In den 1960er Jahren forderten die Wiener Aktionisten, darunter Nitsch und Brus, die Fotografie als Dokumentationsmedium heraus. Ihre Arbeiten, die Aggressionen und Obsessionen festhalten, sind ein bedeutender Teil der Sammlung. Gleichzeitig hinterfragen Künstler wie Valie Export und Eva Schlegel das „Ich“ und die Konstruktion von Identitäten, indem sie Klischees und Rollenbilder dekonstruierten. Andere Fotografen, wie Peter Weibel und Günther Selichar, experimentieren mit den Techniken und Materialien der Fotografie selbst. Die Ausstellung zeigt auch konstruierte Wirklichkeiten von Künstlern wie Lois Renner und Constanze Ruhm und thematisiert den Übergang von analoger zu digitaler Fotografie. Ein besonderes Augenmerk liegt auf dem Thema „Szenario“, das die Realität als narrative, filmische Wirklichkeit interpretiert. Zudem reflektieren Arbeiten von Manfred Willmann und Heimrad Bäcker die ländliche Struktur und Geschichte Österreichs. Der soziale Raum, behandelt von Künstlern wie Sabine Bitter, thematisiert Urbanität und das Verhältnis zwischen Mensch und Natur.

Auch wenn seit einiger Zeit das Ende der so genannten Spaßgesellschaft beschworen wird, die Richtlinien der Eventkultur gelten weiter. Immer nachhaltiger wird die Kunst dazu gedrängt, ihre Ausstellungen als Ereignisse zu konzipieren, ihre Exponate als Stoff für massenwirksame Großveranstaltungen einzusetzen. Die hochaktuelle Publikation mit Werken von über 80 Künstlern zeigt auf, wie in den letzten 120 Jahren die gesellschaftliche Bedeutung des Sensationellen oder Tragischen in der Kunst begriffen und der Stoff des Spektakels erforscht, erweitert, verwandelt oder zerstört wurde. Sie setzt ein mit der Erfindung des Films am Ende des 19. Jahrhunderts, findet einen weiteren Schwerpunkt in der Modernisierung und Ausweitung der Massenmedien nach dem Zweiten Weltkrieg und führt schließlich zur Situation der Kunst am Beginn des neuen Jahrtausends, wo jeder noch so kleine Anlass seine theatralische Qualität vorzeigen muss, jede intime Regung der Individuen zum Unterhaltungsstoff für die Massen werden kann. Die vorgestellten Künstler (Auswahl): Antonin Artaud, Matthew Barney, Jake & Dinos Chapman, Marcel Duchamp, Marlene Dumas, James Ensor, Nan Goldin, Richard Hamilton, Martin Kippenberger, Yves Klein, Yayoi Kusama, Michael Light, E.-J. Marey, Paul McCarthy + Jason Rhoades, Takashi Murakami, Richard Prince, Ed Ruscha, Jean Tinguely, Cindy Sherman, Andy Warhol Ausstellung: Museum der Moderne Salzburg 18.6.-3.10.2005

This catalogue of the inaugural exhibit of the recently opened Museum der Moderne in Salzburg reflects the contemporary nature of the museum in both its design and its layout.