Die Neuauflage von Wölfflins Dürer-Buch bietet eine umfassende Analyse der Werke Albrecht Dürers und dessen Einfluss auf die Kunstgeschichte. Der Autor beleuchtet Dürers innovative Techniken und seinen einzigartigen Stil, der die Renaissance prägte. Zudem werden die historischen und kulturellen Kontexte, in denen Dürer arbeitete, eingehend untersucht. Diese Edition enthält zahlreiche Abbildungen und erweiterte Kommentare, die die Bedeutung Dürers für die moderne Kunst verdeutlichen und seine Meisterwerke in einem neuen Licht erscheinen lassen.
Neben Produktion und Verbreitung ist die Rezeption das dritte große Forschungsgebiet der Kunstgeschichte. In der Regel erfolgt dabei eine Fokussierung auf die individuelle Rezeption. Das Kunstpublikum. Eine kurze Geschichte untersucht dagegen erstmals die Bedeutung eines notwendigen, aber meist übersehenen Akteurs im Kunstbetrieb. Bildliche und schriftliche Zeugnisse aus allen Zeiten dokumentieren das Verhalten des Publikums und die unterschiedlichen Beurteilungen durch Künstlerinnen und Künstler, Sammlerinnen und Sammler sowie Kritikerinnen und Kritiker. Bätschmann zeigt auf, dass die Sachverständigen im Kunstsystem stets zwischen zwei Extremen schwanken: Sie stehen dem Publikum entweder skeptisch gegenüber und verachten dessen Geschmack oder sie schmeicheln der Masse und wollen ihren Applaus. OSKAR BÄTSCHMANN (*1943) gehört zu den wichtigsten Kunsthistorikern unserer Zeit. Er lehrte in Zürich, Freiburg i. Br., Gießen und Bern und hatte längere Forschungsaufenthalte am Getty Center, Santa Monica, an der Bibliotheca Hertziana, Rom, sowie am Center for Advanced Study in the Visual Arts an der National Gallery of Art, Washington, D. C. Bätschmanns Bücher, darunter Einführung in die kunstgeschichtliche Hermeneutik und Ausstellungskünstler , gelten als Klassiker des Fachs.
A profound study of Paul Klee's painting Ad Parnassum, a key work in the painter's oeuvre. In the 1920s, German-Swiss artist Paul Klee (1879-1940) began his long-lasting engagement with polyphonic art--a multi-voiced way of painting analogous to music. A relentless experimenter, Klee began these studies while teaching at the Bauhaus in Dessau, developed them further during his tenure at the art academy in Düsseldorf, and brought them to a conclusion after his return to Switzerland in 1933. In this book, distinguished art historian Oskar Bätschmann explores Klee's seminal painting Ad Parnassum (1932). Painted shortly after the artist's departure from the Bauhaus, it symbolizes a new era--one of Klee's own self-discovery. Bätschmann documents how the artist strove for a connection of music to painting in his color hues and in the rhythmic movement of colored dots. Richly illustrated, this book uses Ad Parnassum to place Klee's polyphonic understanding of art in an art-historical context and offers insight into the synesthetic thinking that emerged in the art world during his time.
Im Dialog mit Symbolismus und Futurismus, Ferdinand Hodler und Joseph Beuys
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Dieses neue Buch versammelt Beiträge namhafter Segantini-Experten, die das Werk des grossen italienisch-schweizerischen Symbolisten und Meisters der Landschaftsmalerei in einem erweiterten internationalen Kontext zur Diskussion stellen. Entstanden sind die Texte für eine Vortragsreihe im Segantini Museum in St. Moritz im Sommer und Herbst 2013. Matthias Fischer ergründet zum ersten Mal fundiert Gemeinsamkeiten und Differenzen zwischen Ferdinand Hodler und Segantini. Oskar Bätschmann beschäftigt sich mit der Rezeptionsgeschichte und der Frage, wie die drei Schweizer Künstler Böcklin, Segantini und Hodler um 1900 in Wien aufgenommen wurden. Paul Müller schildert, weshalb die Futuristen ausgerechnet einem Maler wie Segantini huldigten. Eva Mongi-Vollmer erforscht aus deutscher Perspektive die Frage, ob Segantini für die nationalsozialistischen Kunstideologen von besonderem Interesse war. Schliesslich widmet sich Beat Stutzer der komplexen Rauminstallation Voglie vedere le miei montagne von Joseph Beuys und dessen Bezug zu Segantini und bringt zudem mit Not Vital, Franz Wanner und Hannes Vogel drei zeitgenössische Auseinandersetzungen mit Segantini zur Sprache.
Giovanni Bellini is portrayed as a crucial figure in Italian Renaissance art, recognized for his significant contributions to Venetian painting. The book explores the evolution of his career, emphasizing key works that solidified his influence during this transformative period in art history. Through the lens of his artistry, it illustrates Bellini's impact on the Renaissance and his esteemed reputation among contemporaries like Jacob Burckhardt and Albrecht Durer.
Cinq cents ans après la naissance de l'artiste, l'ouvrage d'Oskar Bätschmann et Pascal Griener est une contribution majeure à la connaissance de l'art de Hans Holbein le Jeune (Augsbourg 1497 - Londres 1543), qui s'attache à l'ensemble de sa production.Formé par son père à Augsbourg, Holbein travaille pour d'importants mécènes en Suisse avant de s'établir en Angleterre à la cour du roi Henry VIII.Artiste ambitieux, Holbein a toujours cherché à se mesurer aux plus grands maîtres de l'Allemagne et de l'Italie comme Dürer et Mantegna et à ceux de l'Antiquité.Ni biographie ni catalogue raisonné, cet essai resitue Holbein dans son temps, en particulier en lui rendant sa culture et sa bibliothèque. On comprend enfin clairement l'influence de la pensée d'Érasme sur sa peinture et on découvre un artiste intellectuel, pétri d'humanisme et de classicisme.
Dans cette étude originale sur l'un des plus grands artistes européens du XVIIe siècle, Nicolas Poussin, Oskar Bâtschmann présente une série d'essais qui ouvrent de nouveaux axes d'interprétation de l'oeuvre et des idées de ce personnage brillant et complexe. A contre-courant des analyses en faveur depuis des années, qui assimilent les oeuvres de ce peintre à la simple transcription d'idées en langage pictural, l'auteur s'attache à discerner dans la méthode de travail de Poussin une démarche dialectique. Proposant un regard neuf sur ses dessins comme sur ses peintures, l'auteur met en évidence une série de questions fondamentales, comme par exemple l'usage que fait le peintre de l'ombre et de la lumière dans ses dessins et de la lumière et de la couleur dans sa peinture, ou la représentation de l'alliance de deux notions antinomiques, présence et absence, grâce à l'autoportrait.
